See all those languages up there? We translate Global Voices stories to make the world's citizen media available to everyone.

イラン人写真家メルダッド・ナルガヒ氏 : 写真という芸術媒体は終わらない

イラン人芸術写真家、メルダッド・ナルガヒ氏の写真は、ガブリエル・ガルシア・マルケスの、マジックリアリズムの体現だ。「夢の中ではどこでも存在できる」「フェアリーランド」シリーズより無題の写真。ナルガヒ氏の ウェブサイト から、許可を得て写真を掲載。

毎日、インターネット上では、何百万もの写真が投稿される中で、写真家は、厳しい状況に置かれていると考える人たちもいる。イラン人芸術写真家、メルダッド・ナルガヒ氏の考えは違う。

「撮影が簡単にできることは、アーティストにとって、自己表現のために媒体を活用する機会が増えるということなのです」と述べる。彼の「日本庭園」と題した写真企画は、パリのケ・ブランリ美術館主催2014フォトケ・レジデンシーズ・アワードを受賞した。

しかし、デジタル技術によるユビキタス には、危うさを必ず伴うと言及する。テヘランで生まれ育ったナルガヒ氏は、最近のニューヨークでのインタビューで、私に次のように応えた。「写真家が、内面性の探求や、自己表現のための効果的な方法より、デジタル技法にとらわれれば問題となってきます」

ナルガヒ氏による「街」と題した シリーズから。2014年に撮影された彼の故郷テヘランの写真。ナルガヒ氏はこのように説明する。私の街は一連の嵐で荒廃し、見分けることができない。そこにいるのは、灰色に覆われた姿の見えない住民だ。ぼう然とし、混乱する。大きく口を開け、息をしようともがいている。他人の不幸を笑う者の姿に、嫌悪を抱くことしかできない。深く吐いた息も再び吸い込めず、望みも満たされず、灰色の世界にのみ込まれている。私の街はその終わりのない灰色に支配されている。ナルガヒ氏のウェブサイトから許可を得て写真を掲載。

場所を示すものにはかすみがかかり、おぼろげなイメージを映し出している。ナルガヒ氏の写真は、ガブリエル・ガルシア・マルケスのマジックリアリズムの体現だ。彼は「夢の中ではどこでも存在できる」と言う。

彼の、閑寂で不透明な画像、それは、通常わずかな光のみで写し込まれ、鑑賞者の目をとらえる。彼の作品には、一般的に欧米のアートにみられる、瞬間的な、視覚的インパクトは、どこにも見受けられない。それが、見る者を、探求や思考へと徐々に駆り立てる。

ナルガヒ氏の写真は中国、フランス、イラン、オランダ、アラブ首長国連邦、アメリカ、イギリスで展示され、主要なアート雑誌や書籍に取り上げられた。(「ディファレントセイム : イラン現代アートの新たな視点」 「コンセンサス・デ・ザール(21号)」や「イランの写真  : イランの現代創作における一考察」)

以下はインタビューからの抜粋

あなたの写真の特徴の一つが、どこの都市や国で撮影されたのか特定できないほど、場所を明らかにするものが薄ぼんやりとしていることですが、いったん、地理的アイデンティティが失われると、鑑賞者は、包括的な空間に直面します。この空間で、鑑賞者は、どんなことを探せばいいですか?

私の作品が持つ雰囲気は、夢幻的です。そして、夢の中ではどこにも境界はない。つまり、夢の中では、どこでも存在できるということです。この雰囲気を創りだすために、私は、明確な地理的特徴が感じられる要素を、あえて用いません。

ナルガヒ氏は、背景と一体化したニューヨークで、ある輪郭をとらえる。インスタグラムフィードからの写真。

単にイランの外側にいる人というだけであって、外見だけでは私の国籍はわからない。これは、私のアートにも言えます。私たちは、もはやその表層で、私たちの持つ差異を見分けることのできない時代にいる。しかし、より深い層では分かります。それは、歴史や共有される記憶、それぞれの地域政情から、形づくられます。

中国、オランダ、イラン、アラブ首長国連邦、フランスで写真展を開催しました。そして今、アメリカにいますね。さまざまな国の鑑賞者が作品を観る上で、どんな違いが見られますか?

私は、すべての人と共有できる領域で、仕事をしています。この点において、私の作品は、アンドレイ・タルコフスキーの作品と類似しています。彼の映画は、ロシアを描きながらも世界中に観衆がいる。あるいは宮崎駿、彼のアニメは、日本を反映しているにも関わらず、世界中にファンがいます。

おそらく、唯一の境界線は、東洋の鑑賞者と西洋の鑑賞者の間にある。合理主義や、論理が根底にない、より感覚的なことに重きを置くテーマは、観察を深め内側に意識を向ける、独特の感性を持つ東洋の鑑賞者には、より受け入れられ易い。 もちろん、これは一つの概念です。はっきりと、その二つを区分することは不可能です。私が、唯一確信を持って言えるのは、空想を好まない人たちは、私の作品と関わることが、少ないということです。

私はまた中東出身のアーティストとして、改革や戦争の記憶を抱えるアーティストの存在を、認識するようになってきました。私の心に痛みが深く響いて、この痛みを表現するアート作品にひかれるのです。これは、多くのイラン人アーティストが分かち合っていることです。最近ニューヨークでのロジャー・ウォーターズのコンサートに訪れた後、(彼はイランでは伝説の人物です!)イランの人々は、彼の音楽とかなり深いところで、つながっていることに気づきました。彼が訴えかけるその問題、たとえば独裁や戦争、抵抗は、私たちの日常の一部であって、抽象概念や歴史的記憶ではないのです。

ナルガヒ氏は、スモッグに埋もれ漠然としたテヘランの地平線を写真にとらえる。「街」コレクションより。ナルガヒ氏のウェブサイト から、許可を得て写真を掲載。

最近、訪れたサンフランシスコ近代美術館では、アンディ・ウォーホルやアンゼルム・キーファーの作品を観ました。そして、政治的混乱を背景に持つ私のアイデンティティを、さらに強化させたのです。ウォーホルのポップアートが、私にとって異質であるほど、キーファーの作品に刻まれたその痛みや破壊は、私と重なって見えたのです。

「フェアリーランド」コレクションで、私たちは、迷宮に足を踏み入れたような感覚を覚えました。その一連の写真は、一見平凡な被写体であるにも関わらず、その線や色、対象は、私達をその作品から、身動きできなくするのです。鑑賞者は、余韻から抜け出せず、他の重なりを探ります。これは、日本の俳句やハーフェズの詩のように、重層的でありながら、シンプルです。鑑賞する度に、違った視点で作品を受けとります。どういった経歴やアートに関する体験が、このコレクションに至るきっかけとなりましたか?

このコレクションは、あらかじめ計画されたものを進めていったわけでありません。それは、私のその他のコレクションについても同じです。私は、自分自身をクリエーターというよりも、鑑賞者のうちの一人だと思っています。自分の作品に対する疑問と向き合うとき、答えが見つかるまで、ときに相当の時間を要します。そして、それらが、仮の答えだったとしても! 実際、私は、自分の作品を他のアーティストの作品を観るように、考察します。そして、思いを巡らすのです。ただ私が言えるのは、イランの人々に共通する憂鬱だけでなく、その秘められた自然の姿も、このコレクションの構成において、重要な役割を担ったということです。

「フェアリーランド」コレクションからの一枚。ナルガヒ氏の ウェブサイト から許可を得て写真を掲載。

禅の教えでは、「片手の拍手の音」は存在するとされています。この教えによると、その音とは、既にその空間に存在し、拍手をすることで、唯一、音が聞こえてくると解釈されます。アート作品を生み出すこと以上に、アーティストは、単に伝達者であると、私は考えています。波動で聴こえるラジオのようで、しかし、それは私たちに聞こえてくる音を、生み出している訳ではありません。

あなたのいくつかのシリーズには、ほとんど人が存在しません。それはなぜですか?

人の気配、とは、服装であり、表情であり、立ち姿でさえも、その写真に完全に影響し、支配する。さらには、自分の思い描く作品と離れて、一つの方向性を、鑑賞者に示すと私は考えます。

そういったことを、人々がカメラを前にしたときに、実際、私自身、感じとることもあります。彼らは、ときにポーズをとり始めると、ぎこちなくなり、最終的に、その作品は不自然になり洗練さも欠くのです。この問題は、近年、多くのイラン人写真家が注目する分野である映画や舞台上での撮影で、より表れます。映画監督は、カメラの前で自然に演じられる俳優を起用するか、アッバス・キアロスタミのように、素人の中から素晴らしい演技を引き出すかのどちらかです。

たとえば、写真家であるサリー・マンやエメット・ゴーウィンは、撮影者と緊密な関係にある人物、カメラのわきでも、他人のように感じえない人物を、撮影することが多いです。あるいは、ジェフ・ウォールのように、自然に見えるような演出で撮影します。そして、それらのどちらもが、うまくやるのは非常に難しい。この領域で、新たな事を試してきた写真家はほとんどいません。

私は、絵画に関心があって、たとえば、自然のような絵画で扱われるテーマに注目して、撮影をしています。大変な試みになるとは思いますが、それでも、ポートレイトや人の姿にもいつか取り組もうと考えています。

あなたのウェブサイト で5つ全てのシリーズが閲覧できます。「仕事」 (原題 : Work) 「家」(原題 : Home) 「フェアリーランド」 (原題 : Fairyland) 「日本庭園」 (原題 : Japanese Gardens)「街」(原題 : City) このシリーズは、超自然文学の形式をとる作家のガブリエル・ガルシア・マルケスや、ドイツの作家であるヘルマン・ヘッセの詩を想起させます。散文や詩は、どのくらいあなたの写真に影響していますか?

ほんのひとときであれ、現実の世界から私たちを引き離す、詩、創作、映画、音楽は、私の作品の全てに影響し、インスピレーションを与え続けています。私にとって詩は、特別な居場所です。イラン人として、私の心が詩の領域に、より、近づいているのを感じます。これはイラン文化に特有な一面であって、私たちの日常に浸透しています。

私が、アート、文学における夢幻的な空間についての私の関心を語るとき、あたかもハリー・ポッターの物語で見るような、完全な想像や空想について、話しているわけではありません。私はむしろ、現実と夢の狭間をつなぐ経路を構築することについて、語っています。村上春樹の作品にあるような、そこでは、現実の世界と非現実の世界が並行して進み、ある時点で、交わる。けれど、読者はその出来事が、現実の世界で展開しているのか、想像の世界で起こっているのか気付かない。つまりそれは、現実と想像の狭間でゆり動く、一つの感情の振り子なのです。

写真を介して、自身を表現する中で、これまで、どういった限界を経験してきましたか? 写真にその状況が、的確に写し撮られていないと感じて、撮影を諦める状況はありましたか?

夢幻的な空間を創りあげるには、写真は最も限られた芸術的な手段です。画家や彫刻家であれば、全て、空想を基にした作品を創りだせます。しかし、写真は現実を土台にします。つまり、記録する。さらに「無」を写し撮ることは、決してできない! 一方で、この特徴こそが私にとって、写真を非常に奥深いものにするのです。つまり、現実と夢の狭間で見る者を不安定にする。私の作品を眼にしたとき、鑑賞者は、この空間は現実にあったに違いない、とそれらが写真であるゆえに、信じて疑わない。しかし、光や色の調節で、鑑賞者は、写真の中に写っている現実が、何も見えない。鑑賞者は、現実と夢の狭間の限られた境界線上に、置かれます。

写真とそのカメラは、どこまでが手段で、どこまでが目的ですか? いつか写真以外の形態で、芸術的表現を選択するということは、考えられますか?

そのカメラと写真は、私にとっての唯一の表現手段です。絵画への深い興味から、常にその様式を活かして、写真を創ってきました。そしてこの理論は、現実に即する、という写真の特質と共に、矛盾の中にあります。私は、技術的なミスもまた活かします。ミスには意図的なものも、そうでないものもあります。イメージを創造し、求めている効果を引き出すためです。

どんな芸術的な表現形態であっても、それ自体に限りがあります。その一方で、想像力に、限りはありません。さまざまな技法を駆使するアーティストは、常に新しい芸術的な作品をうみだし、反復から解放されます。アッバス・キアロスタミがインタビューの中でこう応えています。「私は、次の映画がどうなるかを決して考えない。アイデアが映画の手段として好ましいのであれば、映画を作る。そうでなければ、絵を描き、写真を撮り、詩を書く」と。

近年、私は詩や絵画、映画を実験的に始めました。そして、今後数年間で、そういった領域で、作品を発表することになると思います。

ニューヨークは、写真家にとって魅惑的な都市です。ニューヨークに焦点をあてた写真を、企画していますか? この街での経験やここの人々との関係、他の写真家は、あなたの仕事に影響を与えましたか?

ニューヨークには独特な個性があります。ここでの私の仕事は、記録写真に比重が置かれるようになってきました。ニューヨークの現実は、詩的な思考や夢のような雰囲気を、締めつけるような確固たる存在感のある街です。この街に半年、住んだだけですが、さらにここでの経験を重ね、成長していけるようにもっと長く生活していこうと思っています。私はニューヨークでの経験を日々、写真や動画にしてインスタグラム上で公開しています。

ナルガヒ氏のインスタグラムフィードから。

ほんとうに多くの人が、携帯電話の高精度カメラを持つ時代にあって、写真撮影の大衆化や何億人もの写真家の存在意義を考える時代です。芸術写真家の役割や居場所は、どこにあると考えますか?

写真家にとって、この私たちを取り巻く環境は、いっそう、厳しく狭まる一方で、手段として写真を活用する多くのアーティストにとっては、ものごとが、より手軽に行えるようにもなった。アーティストは、常に個人の見解を表現するために、芸術的な媒体を利用します。さらに、このことから、撮影が簡単にできることは、アーティストにとって、自己表現のために媒体を活用する機会が増えるということなのです。反対に、写真家が、内面性の探求や、自己表現のための効果的な方法より、デジタル技法にとらわれれば問題となってきます。

以前、撮影で最も難しい部分は、カメラを使うことにありました。今や、その困難とする部分が、編集や写真の選択にシフトしてきたのです。デジタル能力の恩恵を受け、ショット毎に何十ものフレームの選択肢がある。また、ソフトウェアの能力に至っては、数百もの変化を、フレーム毎に行うことができるようになっている。この状況の下で、写真家自身が、何を、望んでいるのか、あるいは、何を、表現しようとしているのか分からなければ、イメージの迷宮で、自身を見失うことになります。

ナルガヒ氏はニューヨークをとらえる。インスタグラムフィードから。

これは、写真家だけに限りません。今は、携帯電話で映画をつくることが可能です。3Dプリンターの価格の低下と相まって、今や、手軽に彫刻まで作れます。フォトショップにより、グラフィックデザインのツールを一般大衆が利用できるようになった数年前、グラフィックデザイナーの身に、これと同じことが起きた。当時、多くのグラフィックデザイナーが、コンピューターグラフィックを受け入れなかった。しかし、進歩した技術の利用に関しては、創作のための技術を丸ごとゆだねる個人のためだけ、という制約を生みだしている。たとえば、写真や絵画といった、ある種の媒体の時代は終わりを迎えた、と考える人たちもいるが、これは、それ以上、何も訴えるものが無いアーティストのみに、当てはまる。この先も「終わりを迎える」芸術媒体はない。それは、創造性の尽きたアーティストだけに起こりうる。

校正:Moegi Tanaka

コメントする

Authors, please ログイン »

コメントのシェア・ガイドライン

  • Twitterやfacebookなどにログインし、アイコンを押して投稿すると、コメントをシェアできます. コメントはすべて管理者が内容の確認を行います. 同じコメントを複数回投稿すると、スパムと認識されることがあります.
  • 他の方には敬意を持って接してください。. 差別発言、猥褻用語、個人攻撃を含んだコメントは投稿できません。.